Alice "se hizo" Marisa (acrílico sobre cartón, 2003)

La versión "Marisa" de Alice pintada por F. R. Mayoral en 2003

Hojeando un catálogo de la obra de Amadeo Modigliani, uno de mis pintores favoritos, me vi sorprendido por el asombroso parecido de la dulce muchacha retratada en uno de los cuadros, titulado con su nombre, con una de mis sobrinas. Lo comenté con mi hermana, su madre, que se mostró muy ilusionada con la idea de que le hiciese una copia para colgar en su casa.

Modigliani, 1915

Tiempo después, recordé la deuda contraída y puse manos a la obra, tratando de acentuar el parecido de "Alice", la modelo original de Modigliani, con mi sobrina. El resultado lo colgamos hoy aquí, con mucho cariño y como otra referencia de trabajo realizado por encargo.

La trágica biografía de una vida miserable y la prematura muerte de Modigliani, consumido por la enfermedad y sus adicciones, no impidieron que nos legara cuadros geniales, con especial preponderancia de desnudos femeninos y retratos. Su obra denota la marcada influencia del arte étnico africano que se detecta de manera evidente en los simplificados y rotundos trazos de los rostros que tanto recuerdan la morfología de las inconfundibles máscaras y esculturas del arte negro.


Acrílico sobre cartón.
Formato: 50x33 cm
No disponible (puede duplicarse por encargo en formato a medida).

Un lugar inevitable (óleo sobre tela montada, 2003)

Amante del cómic y el diseño gráfico, F. R. Mayoral quedó cautivado por el estilo de Úrculo

Permeable viajero por los caminos del arte pictórico, nuestro autor no podía sustraerse al hechizo de las formas y colores del genial y tristemente desaparecido Eduardo Úrculo. La fuerza invasiva de un estilo que bebe referencias del Pop-Art y se solidifica en manifestaciones admirables, tanto en la pintura como en la escultura.

Eduardo Úrculo, 1996

Sombreros, paraguas, maletas, baúles, gabardinas... y culos. Muchos culos, mayoritariamente femeninos, que le dieron fama merecida e invadieron los sueños eróticos de más de un espectador de su obra.

Úrculo plasmó en este cuadro magistral la serena tensión de la mirada del artista mientras el vestido de la modelo se desliza para exponer a la vista su sensual desnudez. El maestro lo creó en 1996. Nuestro autor lo descubrió años después en el Museo Conde Duque de Arte Moderno de Madrid y no pudo evitar recrearlo para un amigo en el año 2003, adaptando el formato original a su destino final.

La gran pregunta pendiente que Úrculo ya no puede contestar, es si el "lugar inevitable" que da título al cuadro, re refiere al estudio del pintor o "ese lugar" de la bella y sugerente anatomía de la modelo que tanto abunda en su obra.

Pero, hablando más seriamente, creemos que Mayoral acierta cuando interpreta que el cortinaje de la izquierda, el color azul del vestido aquí despojado, así como la postura de espaldas del pintor que observa a la modelo, son claros aunque sutiles homenajes al único autorretrato conocido de Johannes Vermeer, con el título de "El arte de la pintura".

Óleo sobre tela montada en madera.
Formato: 70x55 cm
No disponible (puede duplicarse por encargo en formato a medida).

Memoria ausente (pastel y tinta china sobre papel, 1973)

Los recuerdos de la memoria ausente sentidos en 1973 y resucitados mucho después.

Es éste un cuadro tan personal e íntimo que he decidido presentarlo personalmente. Probablemente es el único al que he ido cambiando el título con el paso del tiempo; si por cambio entendemos el de las palabras que no el del sentimiento y emociones de fondo que han permanecido inalterables... o eso creo.

Soy consciente de la aparente contradicción que implica hablar de "recuerdos" de una memoria ausente. Sin embargo, no creo equivocarme cuando espero que la sensibilidad y empatía de algún lector lo comprenda y experimente algo similar a lo que yo sentía cuando lo realicé, enmedio de una profunda crisis de soledad acompañada, la más terriblemente solitaria.

F. R. Mayoral, 1973

Los ocupantes, intencionadamente invisibles, de ambas sillas comparten espacio y tiempo, pero dramática y sensiblemente alejados en un vacío que no son capaces de llenar ni siquiera con sus cuerpos ausentes.

Más allá de su composición, cromatismo y estética, esta obra es la metáfora de una realidad que los torpes seres humanos somos capaces de provocar e incluso, erráticamente, repetir. Es un cuadro para contemplar, sentir y ¿reflexionar?

La técnica usada en su ejecución responde a la urgencia del exorcismo que precisa ser finalizado rápidamente. Ponerlo a la venta en esta galería virtual, casi cuarenta años después, es un segundo intento de exorcismo que persigue convertir definitivamente la memoria en ausencia.

Pastel y tinta china sobre papel (enmarcado)
Formato: 24,5x32,5 cm
Tamaño enmarcado: 42,5x50 cm
Consultar disponibilidad y condiciones.

Modelo sobre fondo azul (óleo sobre lienzo montado en bastidor, 1997)

"El arte no reproduce lo visible. Lo hace visible" Paul Klee

Ernst Ludwig Kirchner fue un pintor expresionista, fundador en 1905 del grupo Die Brücke (El Puente) en Dresde; movimiento artístico de principios del siglo XX inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés que promovió el uso del color subjetivo y la prevalencia de la expresión por encima de la forma, rechazando el academicismo.

Ernst Ludwig Kirchner, 1906

Los rasgos más distintivos de este grupo son el color antinatural, subjetivo y chillón, en tonos cálidos; las formas más bien planas, con poco interés por los volúmenes y la perspectiva, que se violenta en escorzos imposibles, y contornos trazados con líneas gruesas, como incisiones en madera.

Los temas son generalmente escabrosos en sintonía con la forma de mostrarlos: prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas con personajes trajeados...

El interés de su creador por la sensualidad de lo carnal queda rotundamente expresado en esta obra que es sólo una de las muchas que dedicó al desnudo femenino. Kirchner la creó en 1906 y Francisco R. Mayoral pintó en 1997 el facsímil cuya imagen se reproduce al principio.

Óleo sobre lienzo (enmarcado)
Formato: 28x23 cm
Tamaño enmarcado: 43x38,5 cm
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Guernica (gouache sobre cartulina, 1974)

Conmovido y horrorizado Francisco R. Mayoral pintó su versión del "Guernica" en 1974.

Ninguna obra de arte surge aislada, al margen del tiempo y el momento que la vio nacer, el "Guernica" quizá menos que ninguna otra. Pintada por Pablo Picasso para el Pabellón de España en la Exposición Internacional celebrada en París en 1937, por encargo del gobierno para el pabellón montado por la II República Española con carácter propagandístico.

Picasso, 1937

Este cuadro fue creado para la colectividad, para ser contemplado simultaneamente por un gran número de personas, de ahí su tamaño y la reducción cromática a la gama del blanco al negro. Es una pintura que busca producir un efecto sobre muchas personas, personas de todo tipo. La obra lo consigue, es un cuadro ante el que nadie queda indiferente, por ello se ha convertido en una obra fundamental del arte del siglo XX. Fue diseñado como cartel publicitario para poner de manifiesto la injusticia y la barbarie del bombardeo que arrasó hasta los cimientos la población vasca de Guernica el 26 de abril de 1937. Y lo más grave es que parece ser que los motivos del bombardeo fueron de índole ejemplarizante y experimental, pues Guernica no era un objetivo con interés militar alguno.

El significado y la lectura de esta obra va más allá de la triste efemérides que le da nombre; no proclama la crueldad de una masacre concreta sino que se convierte en un alegato paradigmático contra la crueldad y la injusticia de la guerra y contra la barbarie propia del fascismo de cualquier signo.

Este cuadro es el símbolo pacifista por antonomasia y ante el cual no podemos quedarnos indiferentes. La fuerza con que la brutalidad y la crueldad a las que el hombre puede llegar están allí encarnadas en el discurso gritado por esas silenciosas imágenes grises, por esas figuras con olor a sangre y fuego.

La empatía experimentada por nuestro autor, le condujo a solidarizarse con las profundas emociones que el "Guernica" transmite y, superando las dificultades, pintó su propia réplica de este icono en 1974, cuando comenzaba el epílogo del régimen franquista.

Gouache sobre cartulina (enmarcado)
Formato: 47x99,5 cm
Tamaño enmarcado: 52x104 cm
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Terraza del café de la Place du Forum en Arlés por la noche (acrílico sobre cartón, 1998)

Fascinado por la mirada de van Gogh, F. R. Mayoral pintó en 1998 esta magnífica obra.

Cien años más tarde, Francisco R. Mayoral pintó la copia facsímil de este maravilloso lienzo, en el que Vincent van Gogh nos sorprende una vez más con su personal visión de la noche, llena fuerza vital e hipnóticas luces.

Los personajes desempeñan un papel secundario; los grandes protagonistas son el cielo estrellado y las luces que iluminan la calle, así como la profunda perspectiva que nos absorbe hacia el carruaje que se aproxima sobre el suelo empedrado.

Van Gogh. 1888

La terraza del café de la Place du Forum se presenta como una de las más notables obras del pintor. También es, sin lugar a dudas, una de las más famosas producidas en la carrera breve pero prolífica de van Gogh. A Vincent este café le recordaba la descripción literaria de Guy de Maupassant: "[...] una noche estrellada en París con los cafés iluminada del Boulevard, y esto es aproximadamente el mismo tema que acabo de pintar", tal y como le escribió a su hermana Wil entusiasmado con su propio cuadro.

Este trabajo es el primero de una trilogía de pinturas que cuentan con el cielo estrellado como referencia ineludible. Un mes después vino la "Noche estrellada sobre el Ródano", seguido de la popular "Noche estrellada" pintada al año siguiente en Saint-Rémy y que también puede verse aquí reproducida por F. R. Mayoral.

Este café aún existe en Arlés. Ahora se llama, muy apropiadamente, Café Van Gogh. Todo está como entonces, aunque ya no se sirva absenta.

Acrílico sobre cartón.
Formato: 68x56 cm
No disponible (puede duplicarse por encargo en formato a medida).

Ventana abierta (óleo sobre aglomerado, 2003)

La ventana abierta por Juan Gris permitió que F. R. Mayoral se asomara al cubismo.

Juan Gris desarrolló su inconfundible estilo cubista que le haría famoso en todo el mundo, por las influencias recibidas de Cézanne, Picasso y Braque. Su muerte prematura a los escasos cuarenta años, nos privó de que sumase más obras geniales a las que nos legó en su relativamente corta carrera de artista con gran talento.

Entre los cuadros más famosos de su catálogo está Ventana abierta, pintado por Juan Gris en 1921 y que nuestro artista particular duplicó en 2003.

Juan Gris, 1921 (65x100 cm)

En Juan Gris el tema de las ventanas abiertas fue un recurso recurrente para combinar espacios interiores y el exterior de manera muy original y personal. Poco a poco sus composiciones se van haciendo más rigurosas, simplifica los elementos despojándolos de todo lo anecdótico y los construye a base de retazos coloreados cada vez más planos, con líneas más rígidas y ángulos más duros. Sobre una mesa coloca una guitarra, una partitura, un frasco y unas castañas. Detrás, una ventana, el mar, unas montañas y el cielo azul. La mesa se convierte en el alféizar de la ventana.

Los objetos van apareciendo, metiéndose unos en otros. Todos están vistos desde un punto diferente y utiliza el sombreado para dar la sensación de profundidad. Los elementos son figurativos, se identifican fácilmente. Éste es el rasgo más destacable de la creación de Juan Gris que Mayoral ha captado a la perfección en su réplica.


Óleo sobre aglomerado (enmarcado)
Formato: 46x70 cm
Tamaño enmarcado: 53x77 cm
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Casas en Munich (óleo sobre tabla, 2003)

Descubrir a Kandinsky fue un hallazgo apasionante para los pinceles de F. R. Mayoral

Wassily Kandinsky fue el creador del arte abstracto en su búsqueda de la expresión pictórica de las emociones, más allá de la representación de los objetos. La capacidad y sensibilidad para percibir los colores le permitió experimentar la sinestesia en su mente que convertía en colores vibrantes los sonidos y armonías de la música. La relación, para él real, entre la música y los colores, le cautivó de tal manera que se convirtió en el punto de partida para sus teorías artísticas y de su inmensa e hipercromática obra.

Wassily Kandinsky, 1908

De la época en que este polémico artista ruso vivió en la ciudad germana de Munich, data el cuadro Houses in Munich, pintado en 1908. En esta bella obra preabstracta se aprecia claramente la preponderancia que Kandinsky concede al color sobre las formas.

Desde que F. R. Mayoral descubrió a este genio, son varios los cuadros de su paleta que ha copiado y más aún los que tiene previsto pintar para sumar a la galería de duplicART.



Óleo sobre tabla (enmarcado)
Formato: 48x56 cm
Tamaño enmarcado: 57x65 cm
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Una vez tuve un sueño (óleo sobre táblex, 1998)

Nada como el surrealismo para plasmar sueños y deseos inconscientes.

Cualquier intento de explicar este cuadro estaría condenado al fracaso por los límites que el lenguaje impone a la imaginación poética condensada en una metáfora. Para nuestro autor, Francisco R. Mayoral, pudo tener un origen íntimo y subjetivo que le llevó a plasmar su ingrávida ambición, desdoblándose en observador y observado, al proyectarse simultáneamente en los dos personajes que aparecen, en el exterior y en la única ventana iluminada.

El cielo, cargado de nubarrones y potencialmente opresivo, no impide que del conjunto de la obra emane una especial y reposada emoción de equilibrio estético.

Aunque, en definitiva al margen de la intimidad del autor y sus motivaciones, lo único que cuenta es la percepción y sensaciones del espectador que contempla este onírico paisaje desde su propia vivencia personal.


Óleo sobre táblex (enmarcado)
Formato: 42x35 cm
Tamaño enmarcado: 50x42,5 cm
Consultar disponibilidad y condiciones.

Tu noche estrellada (acrílico sobre cartón, 1996)

"Con el deseo de que tus momentos más oscuros sean igual de luminosos"

F. R. Mayoral pintó esta copia del conocido cuadro La noche estrellada del genial pintor "maldito" Vincent van Gogh como regalo para una de sus hijas.

Vincent van Gogh (73,5x92 cm)

La noche estrellada es una obra maestra del pintor neo-impresionista Vincent van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior nocturna desde la ventana de su cuarto en el sanatorio psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Paradójicamente, la obra fue pintada de memoria durante el día. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de su autor. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Heredero del Impresionismo, van Gogh fue capaz de crear un estilo muy personal, más allá de la luz y el color que caracterizan su visión artística. Su obra es un claro ejemplo de cómo la pintura puede expresar las emociones y tensiones humanas. Artistas como Munch y los del movimiento Expresionista lo tomaron poco después como modelo para representar sus propias angustias y las de la sociedad que los rodeaba.

Acrílico sobre cartón.
Formato: 40x50 cm
No disponible (puede duplicarse por encargo en formato a medida).

La mesa de la cocina (gouache sobre cartón, 1966)

Pintado por F. R. Mayoral en 1966 a petición de su madre.

Paul Cézanne ahora considerado como el padre de la pintura moderna,  sufrió en su época el rechazo de sus coetáneos, lo que le hizo expresar con cierta amargura: "Quizá nací demasiado pronto".

La obra pictórica del viejo maestro abrió el camino para las concepciones artísticas del siglo XIX, así lo reconoció el propio Henri Matisse, uno de sus más fervientes admiradores, que solía repetir: "Cézanne, maestro de todos nosotros".

Paul Cézanne, 1888-90 (64x80 cm)

 En esta Naturaleza muerta con cesta de frutas (La mesa de la cocina), pintada por Cézanne con óleo sobre lienzo entre 1888 y 1890, sorprende lo avanzado de su propuesta pictórica que planteó y resolvió de forma brillante y magistral. Esta obra rompió con la norma de la perspectiva lineal de la época, utilizando dos claras distorsiones, la de los objetos y la del espacio. Actualmente puede admirarse en el Museo de Orsay en París.

En este cuadro Cézanne utiliza varias perspectivas quebradas con las que confiere a cada objeto un espacio propio enmedio de la coexistencia de formas. Pero es el color el que hace que confluyan toda esta síntesis de perspectivas, relacionando todos los elementos con la misma libertad con la que da forma y modela cada una de las frutas y objetos. Sin duda, nos encontramos ante una obra maestra que, en un alarde de experimentación temprana, nuestro autor recreó utilizando precozmente el gouache con una técnica atípica.

Entre los proyectos más inmediatos de Mayoral está reproducir nuevamente este bellísimo cuadro utilizando óleo sobre lienzo, aunque también acaricia la idea de recrear otras obras de Cézanne que le fascinan.

Gouache sobre cartón
Formato: 50x65 cm
No disponible. (Puede duplicarse por encargo en formato a medida)

El rostro de la guerra (óleo sobre tela, 2003)

En 1985 esta mirada dio la vuelta al mundo en la portada de National Geographic.

"El rostro de la guerra" le valió el Premio Pulitzer a Steve McCurry autor de la magistral fotografía.
  
Francisco R. Mayoral, como padre de tres hijas, quedó profundamente conmovido por el alma que se asomaba a los bellos ojos de esa niña afgana que, con sólo 12 años, ya había olvidado cómo jugar, después de que su país natal fuese invadido por el ejército soviético y una bomba acabase con la vida de sus padres. La instantánea fue obtenida durante su éxodo en el campo de refugiados donde la halló el corresponsal gráfico.

Durante meses, una reproducción de la fotografía colgó del caballete de Francisco, junto a un lienzo en blanco. La copia que contemplas, en óleo sobre tela, es la consecuencia y resultado final del esfuerzo por superar el respetuoso pudor que esa intensa mirada imponía a sus pinceles.


Óleo sobre lienzo con bastidor
Formato: 41x33 cm
No disponible.